Leaと行くヴェネチア・ビエンナーレ

Deep Roma Eccetera Intervista Musica

2日間という短い時間でしたが、ローマを離れ、ジュネーブ在住のイタロフランセ(仏伊国籍を持つ)のアーティスト、Lea Tania Lo Ciceroとヴェネチア・ビエンナーレに行きました。ビエンナーレのあり方については、多少クリティックな気持ちもなくはない、のですが、それでも2年に1度のお祭り、世界各国から集まったアートのラビリントで迷う『非日常』はなかなか得難い体験です。

しかしながら、Giardini、Arsenaleと広大な敷地に、多種多様なアート作品が展示されるビエンナーレを2日で体験し尽くすというプロジェクトは、明らかに無謀とも言えます。結局、はじめに「これだけは見ておこう」と目星をつけておいた作品も、すべて見終わることができず、会場が閉まる6時前にパビリオンに滑り込み、駆け足で鑑賞するということになりました。はじめのうちはああでもない、こうでもない、と議論をしながら細部まで観察していたわたしたちも、後半になるとすっかりエネルギーを消耗しておとなしくなる。しかも2日続きの大雨、傘をさしてのパビリオンめぐりはずぶ濡れになって、ある種の荒行でもありました。とはいえ、多様な作品との共振に酔って目が回りそうな夕刻、Giardini会場から一歩足を踏み出した瞬間、目の前にふわり、と開けた雨降りしきるヴェネチアの、空と海が広々とろける風景を見た途端、その青、潮の匂い、雨と波の音に陶然とした。言うまでもなくヴェネチアという都市そのものが、自然と人と時間がつくったひとつのオペラ、魔法です。

 

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Giardini、ヴェネチアの海

 

ところで今回のビエンナーレですが、ジャルディーニ会場の方はパビリオンをフルに使った大がかりな作品が注目を集め、一方アルセナーレ会場に関して言えば、国際政治的なテーマを扱った、あるいは現代社会への風刺が感じられる作品が、いつもより多く感じられた。また『金獅子賞』は、ふたりとも作品とは気づかないまま、会場の案内の人にわざわざ聞いて後戻りするほど、会場と作品の世界に境界がない作品で、会場の案内ブースに見立てたデスクに座る、生身の3人の女性もその作品の一部をなす、というインスタレーションでした。わたし個人は、レアが「あまり感心しない」、と興味を持たなかった、サルバドール・ダリのビデオをエントランスに配したスペインパビリオンの、Movida madrileña(『モヴィダ・マドリレーニャ』、スペインの70年代、80年代アートムーブメント)を彷彿とする、ペドロ・アルモドバルの空気感をパロディにしたようなビデオや、無節操、ひと癖もふた癖もある賑やかな作品群に好感を持ちました。

さて、現在はスイス、ジュネーブに暮らすレア・タニア・ロ・チチェロですが、かつて彼女がローマに住んでいた時期の2002年頃に知り合い、レアがスイスに居を移してからは、ヴェネチア・ビエンナーレで再会するのが習慣となっています。彼女はパリで9年間、ジャズの歌手をしたあとローマで彫刻を学び、それからローザンヌの美術大学で資格を得て現在はジュネーブで美術の教師、また美術館のガイダンスをしながら、アーティストとして活動するパワフルな女性です。また、友人としての過大評価ではなく、彼女が通りを歩けば、一斉に視線が集まるほどの稀有な美貌、プロポーションを持つ女性であることも付け加えておきたいと思います。

そういうわけで今回は、一時、物理的にローマを離れますが、イタリアとフランス、ふたつの文化を持つ彼女のイタリア、そしてローマへの想い、またアーティストとしてのアイデアをじっくり聞いてみたい、とかねてから望んでいたインタビューを実現。さらにALL THE WORLD’S FUTURES とタイトルがつけられ、 Vitalità: sulla durata epoca, il giardino del disordine e il Capitale ( Garden disorder, Liveness: On Epic Duration, and Reading Capital) をテーマにした第56回めのビエンナーレで、彼女が最も印象に残ったという、ジャルディーニ会場の2つの作品について語ってもらいました。

 

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現在はジュネーブに住むアーティスト、Lea Tania Lo Cicero

 

レアはお父さまがイタリア人なんでしょう?

そう、シチリアーノ。60年代、彼がまだ少年のときに両親と兄弟姉妹、家族みんなででフランス、ディジョンに移民してきたの。ディジョンはパリから300キロ離れた、マスタードやワインで有名な街で、当時からイタリア人がたくさん住んでいたのよ。鉄道でパリに移動の途中、ディジョンの駅で降りて、そのまま留まったイタリア人が多くいたから。そのころのディジョンにはイタリア移民のための仕事が多くあって、たとえばそれはアパートのペンキ塗りであるとか、大工とかシンプルな仕事だったんだけれどね。父がフランスに来たときには、祖父の兄弟がすでにディジョンに移民していて、ペンキ塗りで生計をたてていた。その大叔父を頼りに家族みんなでシチリアから移民してきたらしいわ。それで祖父もすぐにペンキ塗りの仕事をはじめることができたそうよ。父の家族を含めるシチリアーニたちはディジョンに到着するや否や、あっという間に『ピッコロ・シチリア』を形成して、フランスに住んでいるというのに毎日シチリア弁を話して暮らし、フランス語を覚えようとはせず、そうする必要もまったくない、と思っていたみたい。

だから子供時代のわたしは、シチリア弁とシチリアの音楽のなかで成長したようなものなの。わたしの母はフランス人だけれど、シチリアの家族の伝統に従って、毎週日曜になると父の家族、つまり祖父母の家で開かれる昼食会に必ず出かけていたしね。叔父や叔母、従兄弟たちみんなが集まって、お祖母ちゃんの作るシチリア料理、Pasta al forno(オーブンで焼いたパスタ)やAgnello al forno(子羊のグリル)を食べ、話し、歌う、毎週賑やかな日曜だった。イタリア、特にシチリアの家族の絆はとても強くて、家族みんなが集まる日曜の昼食はとても大切な時間。わたしはフランスで生まれたにも関わらず、そんなイタリア的な日々を過ごしたから、シチリアの言葉が、いまでも体感として強く残っているわ。彼らはシチリアという土地と強い絆を結んだままフランスで暮らし、祖父は死ぬまでフランスのことが好きになれなくてフランス国籍も取ろうとはしなかったけれど、祖母はフランスの空気にすっかり馴染んで「わたしはこの土地でようやく自由を見つけた」と晩年には国籍も取った。シチリアの人々の女性観、そして習慣は、女性にとってはかなり辛い、束縛されるものだから、とも言っていたわね。

2002年から4年余り、ローマに住もうと思ったきっかけは?

18歳でディジョンの家族を離れてパリに住みはじめ、ずっと音楽をやっていて、それなりに満足もしていたし、不幸でもなかったけれど、わたしの内面、無意識というか、とても深い部分が変化を求めていたんだと思う。あるとき、ふと思ったの。わたしにはアブストラクトにも、リアリティとしても『太陽』が必要だ、とね。そう納得したとき、イタリアの家族とはまったく関係なく、単純に「イタリアへ行きたい」と強く思った。もちろんわたしに流れるイタリアの血が呼んだのかもしれないんだけれどね。夏のバカンスを利用して試しにローマに旅してみて、その街とわたしには何の絆もないというのに「必要なのはこの場所。この場所でなければならない」、つまり熱烈な『恋』におちてしまったの。知ってのとおり、ローマというのはとても特殊な街。時を経た遺跡群、石でできた街に惜しみない太陽の光が溢れていて、わたしはその美しさとおおらかさに、一瞬で虜になってしまったというわけ。そのとき一緒に暮らしていたフランス人の恋人がいたんだけれど、2人ともローマからパリに戻った途端、熱に浮かされたようにローマが忘れられなくなったから「じゃあ、一度ローマに住んでみようか」と決めてすぐ、急いで荷物をまとめてローマに移ったのよ。わたしたちはまだ若く、目の前にはまだ限りない可能性が開けていて、あらゆることから自由だったしね。

ローマで暮らした3年と半年、たくさんの人々、出来事に出会って、その偶然の出会いの数々は、今日のわたしの生活のいろいろなレベルに影響していると思うわ。ローマのシンボルって『母性』、Madre(母親)でしょう? ロムルス、レムルス(古代ローマの建国伝説)も狼を母親に、すこやかに育ったわけだから。わたしにとってのローマも、そんな感じかしら。ローマは母親のようにわたしを抱きしめて、絶え間なく栄養を与えてくれた。人々、太陽、遺跡、食べ物、一緒に暮らした恋人、なにもかもが滋養になったわ。ローマを覆う空気ってとてもドルチェ(甘美)で、ではどうしてそれほど甘美に感じるのか、と具体的な理由を聞かれてもよく説明できないのだけれど、ローマは自分のなかに眠っていた、それまで気づかなかったドルチェな感受性を再発見するように仕向けてくれる街だと思う。わたしは結局のところ、ローマから、アートと向かい合うための重要な感受性を育てられたと思っているの。パリの音楽との関わりとはまた違った次元で、自分のなかに存在していたエネルギーを見つけることができた。

ローマから再び北ヨーロッパ、スイスに移ったのはどうしてなの?

イタリアにいる間に、頭のなかで形を持たないアイデアをちゃんと理解したいと考えて、インターネットでいろいろ調べていたときに、ローザンヌの美術大学、ECAL/Ecole cantonale d’art de Lausanneを見つけた。そのサイトを読んでいるうちに、そうだわ、今から勉強しなおすことはちっとも悪いことではない、とためらうことなく願書を出したわけ。あとからそれが欧州でも有名な大学だということが分かって、今から思うなら、無謀ではあったかもしれないけれど、自分の直感に従ってよかった、と思っているわ。ECALは、まったく自由な校風で、いろいろ経験しながら自分の表現したいことに適したLinguaggio(表現法)を探す助けをしてくれたから、わたしは多くの表現方法を知り、学び、試すことができた。Video、インスタレーション、ヴィジュアル・アートなら何でも試せたの。はじめわたしはローマで学んでいたブロンズ、『彫刻』を追求しようと考えていたけれど、初心に戻ったというか、結局音楽の要素、自分の声を生かすことができるヴィデオ・アートを選ぶことにした。

でも、実際のところ、自分の声を使って作品を構築することに、とても苦労したのよ。長い間ジャズ、あるいはソウルミュージックを歌っていたせいで、そのときの癖が声に残っていて、表現したい作品になじまず、作曲にも苦労した。だからECALを卒業してジュネーブに移ったあと、Conservatorio(音楽学校)でエレクトローアコースティックの作曲のコースに参加したわけだけれど。そのコースを受けられたのはとても幸運だった。というのも、たったの5人しか受けられない狭き門のコースで、ほとんどがクラシックの基礎をみっちり勉強した子たちと競合したわけだから。そしてそのコースで一年間、死ぬ思いをした、と告白しておくわ。だってわたしはクラシック音楽を勉強したことがなく『ソルフェージュ』すら怪しいものだったからね。それでもまったく遠慮なく、他の生徒と同じように扱われて、苦労の連続。でも、未来的な音楽をアヴァンギャルドに追求する実験的なコースはとても刺激的だったし、30歳になるかならないかの若い作曲家たちが学友で、彼らと一緒に学ぶことは光栄でもあったわ。

正直なところ、ジュネーブでの生活は、自分の創作に使う時間と、生きるために必要なお金を稼ぐ時間とのバランスがとても難しい。でも生きる難しさはどこでも一緒、生きることそのものが、そもそも大仕事だと思うから。歳をとると確かに慎重にはなって、自分が何を目指しているか、明確に先を見通しておかなければならないとも思うし、自分の選択に責任を持たなければならない、それに自分のやりたいことを追求することで、犠牲を払う必要も出てくる。ローマで一緒に暮らしていた恋人と結婚して、そのあと離婚も経験したし、いずれにしてもどんな人生で何を選択しても、多少の犠牲はしかたないかもしれないね。いずれにしても、いまの新しいパートナーとは理解しあえているから、それは嬉しいことだと思っているわ。

ジュネーブはフランス語圏だから、わたしは母国語を話しているけれど、同じ言語を話していても、スイスとフランスではメンタリティが全然違うのは確かよ。人生への取り組み方も違うし、美意識、歓びもまったく違う。スイスでは、まず最初にやろうとしていることがプラティカルであるかどうかが論点になって、『美』はそのあとに訪れる。イタリアもフランスもまず『美』が一番大切だから、プラティカルなことはあとまわしじゃない? スイスの暮らしはラテンの文化とは全く異なる環境だし、スイスの街にはイタリアやフランスのように、歴史が積み上げてきた『美』がないから、生活でアートを感じることはないのだけれど、最近では少しづつスイス的な『機能美』のあり方が見えてきたところかしら。ローザンヌに来た当初は「なんてつまらない街!」とショックを受けて、愕然としたけれど、だんだんにスイスの『美』になじんでくることが出来てよかったわ。そうね。ローマが『母性』とすれば、ジュネーブは『父性』を想起させるかしら。それも非常に厳格で真面目な父親。わたしはローマでも、もちろんジュネーブでも『エトランゼ』として生きているから、そのせいで街を客観的に傍観できるんだと思う。フランスを旅立ってもう十数年、その間ずっと『エトランゼ』として暮らしているけれど、それは気楽でなかなか心地よいことでもあるの。

 

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スイスパビリオンの作品は、ピンク色の液体が張られ、ネオンの反射に動きのある作品。水のたゆたう音が満ちていた。

 

今はどんな作品に取り組んでいる? 作曲 (Link : Voice (6) Lea Tania Lo Cicero)を主にしていると言っていたけれど?

わたしのそもそものテーマは『見えない、触れない』次元を表現すること。今までも『Immaterialità(非物質)』、『Invisibilità(不可視)』と非常に密接に関係した、自分のなかに初源的に在る音楽を声によって表現する、という作品を創ってきたし、それを継続していくつもりよ。そうね、今は作曲がとても面白くて、ヴィジュアルな作品をあまり作らなくなってきたかもしれない。近い予定としては、11月にジュネーブで展覧会をするのだけれど、今回の作品はもう何年もの間、温めてきたものなの。いままでわたしが実際に使ってきたAgenda(スケジュールノート)6年分、書き込んだ予定をすべて黒いペンで消して並べると、一種の楽譜ができあがった。そのひとつひとつの黒い塊は、わたしが確かに過ごした時間で、何かをした、あるいは誰かに会った『証拠』なんだけれど、故意に塗りつぶしたことで、わたしにも誰にも分からない秘密のnote(音符)になってしまったわけ。展覧会では、その、かつて確かに存在したのに今は隠されてしまった時間が形成する楽譜から音符を読んで作曲し、声で表現するのよ。6年分のアジェンダから生まれたメロディをコラージュすると、そこにはリズムが生まれ、時間が生まれ、音楽になる。また、隠された時間が並ぶアジェンダもヴィジュアルにコラージュして表現する。わたしはそのアブストラクトな音楽を『サイレント・ソング』と名付けて、ライフワークにしようとも思っているの。時が経てば経つほど隠された証拠、音が増えてゆくわけだから、最終的にはどういうものになるのか、まったく先が見えないのも面白い。先が見えないというのは、不安でもあるし冒険でもあるけれど、人生って本当はそんなものだからね。

今回のビエンナーレの印象は? 

Giardiniに関して言えば、多くの作家が音を大きく意識して作品に表現していたのに驚いた。これほど音が印象に残るビエンナーレはいままでに体験しなかったような気もする。どのパビリオンにも音が満ち溢れていたでしょう? それに多くの作品に動きがあったし、今回のビエンナーレのテーマでもある強い『生命力』を感じさせるものが多かったと思うわ。

以前からフランスパビリオンを担当した作家、Céleste Boursier Mougenotに注目していたんだけれど、彼はそもそも作曲家、音楽の世界で仕事をしてきた人で、やっぱり彼の作品はダイナミックでいい、と思ったし、素晴らしいと思った。ノルウェーパビリオンのCamille Normentも、そもそもミュージシャン。わたし自身のテーマも『音楽』だから、彼らの作品はとても気になる。確かに60年代、70年代には、アート作品、ダンス、音楽が同じスペースに混在していたことはあったけれど、純粋に音楽から派生した作品が美術館に展示されるようになったのは、ごく最近のことよ。だいたい音楽を展示する、ということはかなり複雑なことだし、音をひとつのスペースに閉じ込めることは物理的に難しいから。でも最近は、多くのアートセンターやギャラリーが、音楽の世界のヴィジュアライズを試みようとしていて、それはとても興味深いことだわ。

そうそう、知っている? イタリアという国は『現代音楽』、意外なことにエレクトロニックな音楽の誕生に大きな役割を担っているのよ。ルイジ・ルッソロという人物が『L’arte dei rumori(騒音芸術)』という短い本を残していて、それが非常に重要な考察でね。彼は騒音もまた、音符にひろえるということを書いている。産業革命以来、生活の周囲が産業化された時代、工場や機械、車の騒音が現れたとき、それらは人々にとっては、まったく新しく、いままで聞いたこともない音だった。ルッソロが『騒音』こそが音楽における、新しい道だと捉え、その時代のFuturismo(未来派)の詩人たちの多くも、インダストリー・ワールドの影響を受けた詩を書いている。つまり言葉を解体して、音に重点を置いた詩。それらFuturismo の言葉よりも音を大切にしたムーブメントが現代音楽に巨大な影響を与えているのよ。ジョン・ケイジのずっと以前にね。もちろん、フランス国籍も持っているわたしとしては、ピエール・シェフェールも偉大だったと思っているわ。

Leaが特に気になったと言っていた作品について、少し話してくれる? やっぱりフランスとノルウェー?

そうね、フランスパビリオンのCéleste Boursier Mougenotの作品、RÊVOLUTIONS が最も印象的だったわね。彼は『スコッチパイン』という雄大な自然の松を使って、ひとつの繊細な宇宙を再現したけれど、大きな木の根が土を抱えながらスペースを浮くように静かに動くのは、魔術的というか、奇跡というか、ミスティック。土から掘り返され、ビエンナーレの会期中、数ヶ月もの間、脈々と生命を保ちながら、パビリオンのなかを動き回る木、というのは、まったくの謎じゃない? 『イタリア、マニエリズム庭園にインスピレーションを受け、政治的な意味合いをも垣間見せる』という作品紹介を読んだけれど、一度パブリックに展示された作品は、人の数だけ感じ方があるから、それぞれに好きなように解釈すればいい。わたしは彼は『人間』を『木』にメタフォライズしたのだと感じたわ。スペースを動き回っている生命、『木』は、土から掘り返されても生きていて、成長し続けている。しとしとと降りそそぐ水滴を浴びながら、地面に縛り付けられることなく自由にーここに政治的な主張があるわねー、孤独に、まるで星のようにパビリオンのなかを巡りながら成長し続けている。そこには静止が見られず、常に動きがある。彼の作品の好きなところは絶え間ない動きと音。スペースに流れていた何ともいえない音は、木が水を吸い上げる音であるとか、木の内部に満ちる音をひろって、それを何らかの方法で増幅したもののようだけれど、その方法もミスティックで興味をそそる。その場にいると、まったく違うディメンションを生きているような錯覚を覚えるマジカルなスペースだったわよね。それになんだかすっかりリラックスできるエネルギーに満ちた空間だった。

 

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Cèleste Boursier-Mougenot ” revolutions” 木はスペースを常にゆっくりと動き回る。

 

(Cèleste Boursier-Mougenot の過去の作品から、レアおすすめの作品)

 

それにノルウェーパビリオンのカミーユ・ノーマンの作品『Rapture』(上写真)が良かったわ。入った瞬間に、えもいえない音のなか、ある種スピリチュアルともいえる空気が、フィジカルな感覚として押し寄せてきた。また、彼女が音そのもので作品を作っていることは、画期的なことだとも思った。彼女はガラスで出来た楽器を弾いて、その音を拾って巨大なマイク型のスピーカーをスペースにいくつも設置、音同士がぶつかり、増幅しあって虚空を満たしているじゃない?『人間の肉体と音の関係を実験する』と意図された作品の、音ひとつひとつそのものはとても繊細だけど、重なりあうことによって、パワフルな響き、大きな波になる。彼女の言うconsonanceとdissonance『調和と不調和』が同時に存在して、そのなかにため息のような、喘ぎのような人の声が混じる。その人間の声の効果も見事だとも思った。スペースに散らばるカタストロフィックな割れた巨大なガラスのインスタレーションも、まるでシアターのようでスペクタクルだったし。

そもそも音、声というのは『神』、あるいは『神々』に繋がるためのツールである、という古代的なコンセプトもあるわけで、ほら、キリスト教で言うなら賛美歌であるとか、オルガンであるとかね。声をどんどん高く上げていって、天に昇るほどの高さにまで上げて、神に届ける、というコンセプト。長い間、人間は『神』は天にいて、上から人間を見下ろす、と考えていたわけでしょう? もちろん現代人は、そんなことをもう考えていないけれど、真に人間の内側から発せられた声は、外側にも反映する。ノルウェーパビリオンに満ちる音に、まるでカテドラルのなかにいるような錯覚を覚えたわ。誰もいないスペースでミサが行われているような、そんな雰囲気もあった。

 

(Camille Normentの過去の演奏から)

 

作品のなかに生きる、つまりフィジカルに聴いて、触れて、体験できる作品が多かった今回のビエンナーレは、わたしにとってはとても興味深く、有意義だったわ。音はヴァイブレーションでフィジカルなものだから、音の世界を生きることは、違うディメンションを体験する、ということだと思っているから。

アルセナーレ会場で特に面白い、と思ったのは、生と死を裏表に表現した、オスカーを獲った映画監督でもあるスティーブ・マックイーンのビデオ『Ashes』かな。海で撮影されたAshesという名の青年の、『サティロス』を想起させる半神的な危うい美しさ、その『死』を儀式的に、しかし日常的に淡々と葬送、神格化していく行程をビデオ両面に見せるという方法が、ある種の深い感情を呼び起こした。また、Philippe Parrenoはそもそも好きな作家だし、蛍光灯を使ったインスタレーションも好きだった。でもアルセナーレは作品が多すぎて、落ち着いてひとつひとつ見る時間がなかったのが残念。次回はビエンナーレだけで5日ぐらいは欲しいところだし、雨も一日で止んでほしかったね。ヴェネチアはビエンナーレだけではなく、Palazzo Grassi、Punta della doganaと観たい現代美術館がたくさんあるから、毎回時間がまったく足りない。ビエンナーレの会場があるあたりは、昔ながらのヴェネチアの庶民の街角がすぐそばで、朝には市がたつ、人々が普通に生活する場所と隣り合わせにあるから、次に来たときは、このあたりの街角も、もっと散歩してみたいわ。

 

 

 

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